Tope disse

La fin de l’année apporte toujours son lot de top 10, etc… C’est inévitable. Mon problème avec les top 10 c’est qu’ils se ressemblent tous. Rarement voit-on autre chose sur la liste que ce qu’on a vu sur la liste d’un autre journaliste/blogueur/critique/personne importante. Les gens qui font ces listes sont tellement convaincu qu’ils sont en train de refaire le monde à leur image qu’ils ont peur de passer pour des idiots s’ils omettent quoique ce soit qu’un « compétiteur » a pensé avant lui. C’est ce qui fait que toutes ses listes se ressemblent. Cette volonté d’avoir l’air important, d’avoir l’air intelligent, d’avoir l’air crédible. On s’en fout, pourquoi ne pas y aller avec le cœur, avec nos goûts personnels. Si je n’aime pas Karkwa ou Mister Valaire, si je me fous de Kanye West ou Eminem pourquoi me forcerais-je à les mettre sur ma liste. Pour me donner l’air d’être un mélomane accomplie? Tout cela est beaucoup trop académique. Où est passer l’amour? Où est passé la passion? Où est passé ce besoin de faire découvrir aux autres nos propres découvertes?

Mon plaisir avec ces listes de fin d’année c’est justement d’y découvrir de nouvelles choses, des disques qui me sont passé sous le nez pendant que je regardais ailleurs. Approffondir mes connaissances inconnus. Jouir d’une découverte mineure mais dont je vais écouter pour les 5 prochaines années. Dans dix ans, on se remémorera l’album de Karkwa en se disant : Shit! Ça c’est un bon album! Un bon album, certes, mais un album que l’on écoute une fois par année, peut-être moins. J’aime mieux me concentrer sur des albums moins parfait mais dont je vais avoir à l’oreille une fois par jour pour les dix prochaines années avec le même enthousiasme, la même fougue, le même sourire sur mes lèvres.

Alors en quoi mon Top 10 est meilleurs que ceux des autres? Il ne l’est pas. Je n’ai pas la prétention d’être un critique. Je suis un amoureux de musique qui malgré le fait qu’il ne sait pas écrire, désire faire découvrir à mes 5 lecteurs ce qui m’a touché, marqué et hanté en 2010. Rien d’académique, rien de prétentieux, juste des choix guidés par mes goûts personnels et non un semblant de vouloir démontrer ma domination sur le reste de la planète.

Dans aucun ordre précis.

1-Alexandre Belliard : Des Fantômes, des étoiles

Avec Eric Goulet à la réalisation, Alexandre Belliard n’est pas meilleurs, il reste le même mais il est plus cohérent et accouche d’un album traitant de mort, chagrins et regrets. Goulet l’aide à trouver un fil conducteur. Belliard, lyrisiste sensible et honnête, avait l’habitude de s’éparpiller sur ses galettes précédentes mais démontrait un énorme potentiel qui ne pouvait que culminer vers ce Des Fantômes, des étoiles, album où plane, justement, des fantômes, mais où l’espoir n’est jamais loin. Belliard ne s’appitoie jamais sur la tristesse de ses textes, au contraire, il les rend beau, planant, dansant même. Sa reprise de I Don’t Wanna Grow Up de Tom Waits est remarquable par sa simplicité.

2-Adam Haworth Stephens : We Live On Cliffs

Parce que Two Gallants, son groupe, s’est dissout, Stephens se lance en solo avec cet album qui ressemble heureusement à une prolongation de ce qu’était Two Gallants. Muni de sa guitare, son harmonica et sa voix nasillarde-écorchée, Stephens se permet l’ajout de cuivres, de voix féminines et de violons pour éviter les comparaisons, éviter la redite mais surtout pour tâter de nouveaux horizons avec sa folk aux textes d’une franchise rare. Stephens écorche et creuse où ça fait mal, ce qui lui donne une maturité et une intensité le mettant dans une classe à part.

3-The National : High Violet

Parce que la barre était haute après Alligator mais surtout Boxer, The National arrive avec un album qui déçoit à la première écoute. Comme s’ils étaient revenue à un son plus expérimentalo-machin de Sad Songs For Dirty Lovers, leur pire album. Mais après une seconde écoute, les chansons s’incruste petit à petit dans les veines et on finit par les vivre intensement. Mettant les guitares en (très) très arrière plan et profitant du talent de leur batteur, les chansons de ce 5^e album sont entièrement dirigées par le martèlement de la baterie. Peut-être un album moins accessible que Boxer mais leur album le plus aboutit.

4-The Parting Gifts : Strychnine Dandelions

Parce que Greg Cartwright est le dernier des punk-rockers romantiques, parce que tout ce qu’il touche devient de l’or (sauf le EP des Detroit Cobras), parce qu’il est le rocker de 50 ans le moins connu et le plus sous-estimé et parce qu’il continu de nous faire taper du pied en fouillant dans son invidable sac à riffs. The Parting Gifts est la rencontre entre Cartwright et Coco Hames du groupe The Ettes. Cartwright quitte donc ses Reigning Sound l’espace d’un album et il accouche de ses meilleures compositions depuis fort longtemps. Son meilleur album depuis Too Much Guitars!

5-Fabienne Delsol : On My Mind

Parce qu’April March a eue besoin de Tarantino pour se faire connaître au moment où elle ne faisait plus dans le rock-yéyé-français-en-anglais, Fabienne Delsol est arrivée à la rescousse. Quant March est devenu plus électro-machin avec Burgalat, Fabienne, elle, a quitté son groupe The Bristols pour faire carrirère solo et remplacer March. On My Mind, le 3^e album solo de Delsol, est son plus aboutit, son meilleur, Passant facilement d’une chanson en français à une chanson plus surf en anglais tout en gardant le même aplomb, la même fougue et la même énergie, Fabienne rockera le mur de mes oreilles pour encore des années.

6-The Black Keys : Brothers

Pour leur 6^e album en 8 ans, The Black Keys ont gardé le côté expérimentalo-machin de leur effort précédent (Attack & Release, le soundtrack pour la biopic de Ike Turner qui n’a jamais vu le jour) et ils sont revenu à leur son du début pour créer l’ultime album. Leur meilleur depuis Rubber Factory. Ils ont su se réinventer et ont accouché d’un album intemporel où le soul, le blues et le rock s’amalgament de façon puissante et presque érotique. Probablement le meilleur album de l’année.

7-Three Mile Pilot : The Inevitable Past Is The Future Forgotten

Armistead Burwell Smith IV quitte l’espace d’un album le confort de Pinback et Pall Jenkins fait de même en ce détachant pour un instant de The Black Heart Procession et joignent leurs forces pour le premier album en 13 ans de Three Mile Pilot. Probablement le plus pop et accessible, The Inevitable…. est remplie d’excellentes mélodies assombrient par la voix et les textes noirs, tristes, pessimistes et nihilistes de Jenkins. Ils ont amalgamé la sensibilité et la force de leur groupe respectif pour créer un l’ultime album que l’on n’attendait plus. La continuité de Another Desert, Another Sea, datant de 1997.

8-Wolf Parade : Expo 86

Pour une raison inconnue et injuste, on dirait qu’on n’attend plus rien de Wolf Parade depuis son Apologies To The Queen Mary. Ce qui est bien dommage parce que d’album en album Wolf Parade se solidifient et rockent la face du monde, dumoins ils rockent ma face et elle est très difficile à rocker, ma face.

9-The Thermals : Personnal Life

Parce qu’après Fuckin’ A, The Thermals devaient se réinventer et c’est ce qu’ils ont réussie avec chacun des 3 albums qui ont suivie. Personnal Life est une bonne surprise et voit le groupe de Portland continuer sur sa lancée. Du punk-rock gentil mais efficace qui nous fait taper du pied tout au long de cet album concept traitant de relation(s) amoureuse(s).

10-The Walkmen : Lisbon

Avec la bourde qu’avait été A Thousand Miles Off, leur 3^e album, The Walkmen ont su se réorienter sur You & Me, l’album suivant. Lisbon est la continuité de You & Me. Même s’il n’a pas la puissance mélodique et lyrique de celui-ci, Lisbon en est l’abouttisement et puise ses qualités dans la force tranquille de ses chansons remarquables.

Mentions plus qu’honorables :

11-Mary Gauthier : The Foundling & Nina Nastasia : Outlaster

Deux albums trop personnels, trop noirs et trop intenses. On a mal à les écouter mettre leurs âmes à nues. Gauthier y traite de l’abandon de sa mère pour l’orphelinat et ses retrouvailles plus que décevante avec celle-ci 40 années plus tard. L’album est franc, sincère mais trop personnel. Nastasia, égale à elle-même, traite de ruptures amoureuses dévastatrices. Les deux artistes folk-country nous ont données leur 6^e album cette année.

12-The Beatdown : The Beatdown

Parce que suite à la dissolution du One Night Band, Alex Giguère, chanteur, guitariste et compositeur du groupe n’a pas chômé pour y donner une suite. Parce qu’après la sortie de l’abum le groupe est partie sur les routes du Canada et de l’Europe pour célébrer leur ska-reggae avec le reste de la planète. Parce qu’ils le font sans l’appui des journaux locaux qui se contrecrissent bien d’eux puisqu’ils ne sont pas amis avec Malajube ou Meta Gruau. Parce que je n’aime pas le ska-reggae et que The Beatdown, sans me convertir, on réussi à me faire taper du pied.

13-The Intelligence : Males

Presque qu’un an après la parution de Fake Surfers, la bande nous arrive avec Males, sa continuité. Remplie de perles rock efficaces, The Intelligence est sur le bon chemin pour nous pondre leur chef-d’œuvre très bientôt.

14-Buddy MacNeil & The Magic Mirrors : Help Me, Mama!

Parce que ce EP de 4 chansons nous fait patienter jusqu’au printemps pour la sortie du premier LP.

15-The Soft Pack : The Soft Pack

Album un peu surestimé mais tout de même très bon grâce à son habille mélange de rock garage et de surf. Il est une galette prometteuse pour la suite des choses.

16-David Tétard : J’ai toujours rêvé d’être un groupe rock

Même si la poésie de Tétard laisse parfois à désirer (J’évolue comme je pisse/pas très loin, pas très lisse) force est d’admettre qu’il est capable de créer de bonne mélodies rock et que son écriture peu parfois être très honnête(T’as pas tirée le bon numéro/je suis si loin d’Al Pacino/Je suis et ce sans me vanter/D’une affligeante banalité), se donnant souvent le rôle du salaud (Je te fais boire à la tasse/attendant que tu te lasses, Moi j’ai préféré, ma belle/Me montrer cruel) et démontre une sensibilité masculine rare quoiqu’un peu maladroite. Pour sa 4^e galette, Tétard évolue en terrain connue et ce n’est pas forcément un défaut.

17-Spoon : Transference

Parce qu’ils savent se réinventer à chaque fois, la bande de Britt Daniel nous arrive avec un album qui ressemble plus à une compilation de B-sides, de démos ou de maquettes de chansons non terminées que d’un réel album. Mais c’est là que réside la surprise sur Transference, le 7^e album du groupe. Chaque fois qu’on a l’impression qu’une chanson s’en va dans un sens, elle change de rythme ou se termine abruptement laissant croire qu’elle n’est pas terminée alors que bien au contraire, c’est à ce moment précis qu’elle doit s’arrêter. La barre était haute apràs Ga Ga Ga Ga Ga mais Spoon s’en sort très bien avec sa coolité habituelle.

18-Arcade Fire : The Suburb

Arcade Fire ont réussi avec The Suburb, l’impossible. Ils ont créé non seulement un album concept réussie et non-prétentieux mais leur 3^e album est probablement le meilleur album de l’Année après celui des Black Keys. On les attendait avec une brique et un fanal. Nétant pas un fan, je sais que je n’écouterais pas cet album très souvent mais je dois admettre que c’est du très très solide. Bravo!

19-Raphaël : Pacific 231

Pas la claque au visage qu’avait été Caravane il y a quelques année, Pacific 231 est un retour en force pour Raphael. Après un mauvais Je sais que la terre est plate, on a cru à un feu de paille mais voilà que le jeune français nous prouve que non et c’est tant mieux. Autant pour lui que pour nous.

20-Black Francis : Nonstoperotik

En laissant tomber ses Catholics et en revenant avec son pseudonyme des années Pixies, Frank Black (aka Black Francis aka Charles Thompson) nous avait donné avec Blue Fingers son meilleurs album post-Pixies. Entre Blue Fingers et l’abum de Grand Duchy, le projet avec sa femme (très bon), Black nous sert Nonstoperotik, un album assez intimiste mais très puissant. Parce que les gens qui souffrent d’embonpoint font l’amour aussi!

21-The Greenhornes : ****

Pour leur premier album en 8 ans la bande à Craig Fox déçoit un peu. Peut-être parce que Dual Mono, leur dernier album, est un chef-d’œuvre de groove rock garage et que la barre était donc un peu trop haute. Peut-être que le quatuor devenu trio a dû se réinventer tout en gardant leur style 60’s. On attend le riff qui tue alors qu’il n’arrive jamais. Une bonne écoute mais une grosse coche en-dessous de Dual Mono.

22-Gigi French : Canelle & JimmyHunt : JimmyHunt

La dissolution des Hot Springs voit Gisèle Webber partir en solo tout comme la dissolution de Chocolat voit Jimmy Hunt revenir lui aussi en solo. Même si Gisèle se réinvente en chanteuse française d’une autre époque force, loin du rock des Hot Springs est d’admettre que ces deux artistes sont beaucoup plus à l’aise en solo. JimmyHunt nous rappelle Ferland, Férré avec une touche folk intimiste. Il se classe à part dans la résurection de la scène folk montréalaise. Gigi French quant à elle, réussi à amalgamer le jazz et la chanson française, style Piaf, en créant quelque chose d’originale.

23-Tiff Merrit : See You On The Moon

Je ne suis pas un fan mais je la respecte beaucoup. Tiff Merrit nous a donné son meilleur album cette année et elle continue de trainer son folk-country à travers l’Angleterre et les USA, pays qui l’apprécient plus que nous au Québec.

24-Strange Boys : Be Brave

Avec leur 2^e album, The Strange Boys continue de ressembler aux petits cousins des Black Lips ayant été à l’école de Dylan.

J'ai vu des films, oui, oui!

Jonah Hex : Jonah Hex est le genre de film qui sort de nul part, que personne n’attendait et qui disparaitra de la surface de la terre en l’espace de 2 ou 3 semaines. Peut-être 4 semaines, gros max! Il va aller rejoindre les The Musketeer, Terminal Velocity et Domestic Disturbance de ce monde. Difficile à dire si le film est fidèle à la BD mais facile de voir que le film n’a aucun style, aucun sens de l’humour, aucun rythme. Les personnages sont plates, le héro du film est terne, l’action est molle du genou, bref, etc!

L’immortel : Un film policier français assez violent, cette pseudo-histoire vrai est joué de façon convaincante par Jean Reno. La mise en scène de Richard Berry donne un ton très américain au film. Pas grand chose à dire mis à part que L’Immortel est probablement le meilleur film a avoir été produit par Europacorp, c’est peu dire.

Bad Blood : Bad Blood est précédé d’une solide réputation du Ong Bak de l’année. Malheureusement, il n’arrive pas à la cheville de ce dernier ni même à celle de Merentau. Les combats sentent la chorégraphie apprise par cœur donc n’ont rien de naturel , tout est un peu long, l’histoire s’éparpille, etc… Beaucoup trop de bruit pour rien mais tout de même supérieur à n’importe quel film de Sheldon Lettich.

Butterfly Effect 3 : N’ayant aucun souvenir de la suite du premier ni même du premier film de cette « trilogie » mis à part que tout était trop violent pour rien. Butterfly effect 3 est le genre de suite DTV dont on reprend l’histoire de base mais dont on amplifie tout ce dont le film original n’était pas. Comme si on avait pas ou mal compris ce qui avait fait le succès du premier. L’histoire déboule de façon ultra rapide question que le spectateur ne s’emmerde jamais mais aussi pour ne pas qu’il puisse y voir les trous du scénario ou les incohérences scénaristiques. Peu importe, l’acteur principal à une belle gueule et le film est monté au quart de tour. Par contre, cette fois on enquête sur un meurtre et le film devient un slasher ultra gore et la finale est d’un ridicule tonitruant. Jusqu’à la conclusion en forme de « whodunnit » on se foutait pas mal des incohérences, mais à la toute fin on ne peut que se sentir baffouer devant tant d’inepties. Le côté « slasher » du film est tout à fait inutile, le but des producteurs est de montrer des cages thoraciques se faire trucider à-la-Haute-Tension. Le problème c’est que le meurtrier utilise une scie chirurgicale, j’imagine qu’il prend le temps de la brancher en cachette dans une prise électrique avant de poursuivre ses victimes tout en ayant assez long de fil. Le fait que le meurtier porte un sac de patate sur la tête Friday-The-13th-Part-2-style n’aide en rien la logique puisque les victimes ne sachant pas qu’un tueur rode dans les parages, sont pris de surprise lorsqu’ils voient le meurtier pour la seule et unique fois de leur courte vie. Pourquoi alors se cacher le visage? Pour une surprise finale inatendu, bien sûr.

Night Of The Demons : Remake du classique des années 1980, le réalisateur va même jusqu’à donner un caméo à Linnea Quigley, Scream Queen par excellence et personnage du film de 1987, pour nous montrer son amour de l’œuvre original et montrer du même coup qu’il ne se prend pas au sérieux. Il faut dire qu’avoir comme acteur princiapl Edward Furlong est un signe indéniable que l’on ne se prend pas au sérieux. Night Of The Demons, remake à peut-être ça comme plus grand défaut, son manque de sérieux, pas que le film soir une comédie ZAZ mais comme les effets spéciaux old school extrêmement bien réussis et les décors/ambiances sont propices à un film d’épouvante, il est dommage de constater à quel point les acteurs jouent de façon détachée. Jamais on ne les sent en danger puisqu’ils ont l’impression, eux-mêmes, que tout ça n’est qu’une grosse blague. La finale est un peu trop abrupte et laisse plusieurs mauvaises questions en suspens…Dommage de voir Diora Baird continuer à jouer dans ce genre de film, je crois qu’elle à beaucoup de talent et qu’il va au-delà de sa généreuse poitrine qu’elle exhibe trop souvent.

Expulsion of The Devil : L’écoute de ce film n’est pour moi qu’un vague souvenir….

Philosophy Of A Knife : Ce documentaire de 4h30 sur les tortures du Unit 731 est assez mauvais. Unit 731 était une unité japonaise qui torturait de façon expérimentale les humains durant les années 1930, 1940. Ils avaient un côté scientifique à savoir par exemple, combien de temps un homme nu peut-il resté prisonnier dans un lac glacé en hiver avant que ces membres ne deviennent tellement frigorifiés, qu’ils peuvent briser en donnant un simple coup de crayon dessus, ce genre de questionnement était fréquent dans l’unité 731, alors ils s’éfforcaient à trouver les réponses. Le film Man Behind The Sun traite du même sujet de façon efficace et beaucoup plus courte. Philosophy Of A Knife est une merde où le cinéaste à tourné un entretien de 30 minutes avec un expert dans le domaine et ensuite il a tourné 4h d’images dégueulasses et de scènes de tortures. Par exemple, une scène nous montre une femme se faisant arracher les dents par un japonais avec une paire de pince. L’idée du réalisateur est de nous montrer que ça fait mal se faire arracher les dents alors on voit les dents se faire arracher une à une. La scène se termine que lorsqu’il n’y a plus de dents dans la bouche de la victime. Ça prend du courage pour montrer une scène où l’on met des coquerelles dans un vagin, mais combien de coquerelles faut-il pour qu’on comprenne. Selon le réalisateur, au moins 20. Le film montre donc en 4h30 se qu’il aurait pu montrer en 70 minutes. En plus, les scènes de tortures sont évidemment mise en scène, mais de façon tellement maladroite et les effets spéciaux sont excécrables, de la plasticine, des yeux en plastiques, du sang trop liquide qui change de texture dépendement de la scène. Le but est de choquer plutôt que d’instruire et les images chocs sont déplorables.

The Vindicator : Après sa période fructueuse dans les années 1970, Jean-Claude Lord s’est tourné vers le film de genre canadien-anglais. Avant Yves Simoneau et Christian Duguay, Lord à voulu faire du gros cinéma musclé. Visiting Hours est aujourd’hui un mini-classique mais The Vindicator n’est pas le genre de film dont il doit se vanter d’avoir fait. Pas surprenant qu’il soit revenue dans sa langue maternelle pour tourner La Grenouille et la Baleine. The Vindicator est un genre de Terminator meets Robocop meets The Phantom Of The Opera meets Cyrano de Bergerac (les influences et la culture de Lord sont ÉNORMES) il est donc un film avant-gardiste. Les dialogues remplis de clichés sont hilarants mais pas autant que les effets spéciaux et les effets pyrotechniques, c’est comme s’il n’y avait eu aucun professionnels sur le plateau pour expliquer comment fonctionnent les explosions. Certaines scènes sont assez embarrassantes au point de vue de la mise en scène. Pam Grier semble se demander pourquoi elle a accepté de séjourner à Montréal pour tourner un film aussi bas de gamme. Il faut la voir tuer une fille en lui brisant le cou mis en scène exactement de la même façon que si vous et moi nous nous amusions dans le sous-sol de ma grand-mère et qu’on se fendait la gueule en imitant Steven Seagal, c’est aussi réaliste que ça. On a l'impression qu'elle va dire : CRACK! lorsqu'elle brise le cou de sa victime. La musique est ancré dans son époque alors les rythmes de synthétiseurs et de batteries électroniques nous bercent les oreilles pendant que le robot (le vindicateur?) se promène dans les rues désertes et les égoûts pour protéger la femme qu’il aime et se venger de ses tortionnaires.

Trailer Park Of Terror : Film d’horreur ne sachant pas trop s’il est une comédie d’horreur, une comédie gore, une comédie redneck white trash ou les 3 en même temps. On a alors droit à un épilogue stupido-white trash pour ensuite donner une 2^e partie très générique où adolescents libidineux et craques de seins se multiplient pour ensuite terminer avec un dernier tier gore aux effets réussi Dommage que le spectateur dort depuis longtemps déjà.

The King Is Alive : Dogme #5. Sans vouloir entrer dans les détails et mes opinions sur le Dogme 95, ce mouvement a donner certainement les pires films des 15 dernières années puisqu’il permettait à des gens sans talent de croire qu’ils faisaient de l’art. Il a aussi insuflé une volonté de vouloir créér à tout prix un film sans attendre de gros budget. Les résultats étaient plus souvent qu’autrement désastreux. Bref. The King Is Alive fait partie des films moins connu du Dogme pourtant réalisé par un cinéaste Danois fort reconnu. Évidement puisque le film fait partie du Dogme, le film ne respecte pas les règles que ces petits prétentieux se sont donné. Le film raconte l’histoire de touristes pris en plein désert lorsque leur bus tombe en panne. L’un deux décide de monter King Lear en attendant les secours. Le théâtre fait partie du Dogme 95 alors il n’est pas surprenant que le film prenne cette tournure. Employant des acteurs réputés (Jennifer Jason Leigh (qui fera son propre film du Dogme avec The Anniverssary Party) Bruce Davison, Brion James(qui ressemblait à Pierre Elliot Trudeau à la fin de sa vie), Romane Bohringer) ce qui va à l’encontre du Dogme. Le film n’est pas terrible, les images sont belles, les acteurs sont solides mais le montage est un peu arty-fartsy pour rien et le film va nul part.

The Idiots : Dogme #1 : N’ayant jamais compris ce film ni le Dogme d’ailleurs. The Idiots n’est qu’un film pour choquer. Filmer comme un simili-documentaire, ce procédé ne va nul part et ce, assez rapidement. Certaines scènes veulent donner un malaise mais le montage du film souvent saccadé ne nous permet jamais ce malaise puisqu’on ne sait jamais si le film est un pseudo-Jackass ou une fiction. Je comprends Von Trier de vouloir faire ce genre de film, question d’avoir un contrôle absolu sur son œuvre mais après Europa et Breaking The Waves, ce virage est surprenant.

It’s All About Love : Avec Festen, Thomas Vinterberg est devenu la coqueluche du cinéma danois, du cinéma international et le poster boy du Dogme 95. Avec It’s All About Love, et même Dear, Wendy, on s’aperçoit que Vinterberg en a rien à foutre du Dogme, il veut faire des films américains. It’s all about Love est un film d’amour futuriste sur fond de catastrophe naturelle. Sean Penn y fait un apparition de 18 secondes pour prouver qu’il est prêt à travailler pour Vinterberg peu importe le rôle. Son apparition ne sert pas vraiment le film. Jamais on a l’impression que le film est aboutit, on y voit des idées par-ci par-là, mais des idées qui ne prennent jamais forme, ou qui ne sont jamais entièrement développé. Le côté mystérieux est par contre intéressant.

Mister Lonely : Le film le plus accessible de Harmony Korine. On a toujours l’impression qu’il rit des gens, de ses personnages et de leur métier. Cette fois, son film suit un sosie de Michael Jackson qui se retrouve dans une troupe avec d’autres sosies de célébrités (Marilyn Monroe, Chaplin, Shirley Temple, Buckwheat, etc…) Korine s’intéresse encore une fois à des êtres marginaux que parce qu’ils sont hors norme, jamais il ne s’intéresse à leur métier ou aux raisons de ce choix de vie. Alors on perd intérêt assez rapidement tout comme Korine qui une fois passé l’idée que ses personnages sont excentriques, ne s’est plus quoi en faire.

Best Worst Movie : Un objet étrange que ce Best Worst Movie. Documentaire sur le culte qu’est devenu le film Troll 2, film assez mauvais, 20 ans après sa sortie. Étrange parce qu’il contient énormément de malaises. Étrange parce que le film change de direction en milieu de parcours. Étrange parce que le film traite d’un sujet actuel sans trop le savoir. Best Worst Movie couvre très bien son sujet malgré tout. Tout commence lorsque Michael Stephenson, ayant joué dans Troll 2 à l’age de 12 ans, décide de tourner un documentaire sur l’objet de culte qu’est devenu ce film qui a mis fin à ce qui aurait pu être une bonne carrière hollywoodienne. Il décide de retrouver les acteurs du film. Et c’est là que le malaise commence. George Hardy, dentiste de métier dans un patelin et ayant joué le père de Stephenson dans le film, décide de partir en tournée à travers l’amérique du Nord pour voir les représentation du film dans plusieurs villes. Hardy semble croire que le documentaire porte sur lui. Malaise. Arrive Claudio Fragasso, le réalisateur de Troll 2 et sa femme, la scénariste. Fragasso est convaincu qu’il a fait un film avant-gardiste et sensationel. Malaise. Un peu comme n’importe quel réalisateur de film de genre italien, il est convaincu qu’il est un génie (voir les entrevues de Dario Argento post-Phenomena ou celle de Umberto Lenzi sur le DVD de Nightmare City) Il arrive en amérique pour voir la réaction des gens. Malaise. Il s’aperçoit que tout les gens rit du film. Malaise. Lorsque Stephenson part à la recherche de Margot Prey, qui jouait sa mère, on peut difficilement croire ce que l’on voit à l’écran. Des malaises que seul la beauté d’un documentire peuvent créer. On en rit mais c’est touchant en même temps, un peu comme dans American Movie. Le film traite également d’un sujet sans trop s’en rendre compte et dont je ne veux trop élaborer: les hipsters ou le phénomène de culture éphémère. Loin de moi l’idée de faire un discours sur les hipsters en 2010 puisque chaque génération a les hipsters qu’elle mérite, peu importe comment on les appelle (on les nommait Hippies il y a 40 ans). Best Worst Movie prouve que faire partie d'un mouvement de mode est plus important que les raisons pour lesquelles on y adhère.

Style Wars : Documentaire sur le « street art ». Le film se concentre uniquement sur la ville de New York durant les années 1980-1983. Intéressant même si on ne comprend jamais trop les raisons qui poussent les gens à vouloir écrire leur nom sur des trains ou des murs. La faute va au fait que le film est un peu daté et le phénomène était un peu trop nouveau et underground à l’époque. Un très bon compagnon au Exit Throught The Gift Shop.

Never Sleep Again : Documentaire de 4 heures sur la saga A Nightmare On Elm Street. Un peu comme His Name Was Jason, le documentaire sur Friday The 13th, Never Sleep Again passe à travers la saga un film à la fois et une bonne cinquantaine d’intervenants de toutes sortent viennent donner leur grain de sel. Beaucoup plus intéressant dans sa première heure, du premier au troisième film, Never Sleep Again devient un peu moins intéressant lorsqu’il couvre la période plus fructueuse et plus médiocre de la série. Un bon trente minutes est passé sur le sous-texte homosexuel du second film. Le film est fascinant pour ceux qui ont grandi avec la série et on y apprend que Peter Jackson avait écrit un scénario pour le 6^e film qu’il voulait réaliser mais qui fut remplacé à la dernière minute par un Freddy’s Dead en 3D, possiblement le pire de la saga. On a droit à des interventions de pas mal tout les artisans ayant bossé sur la série sauf, bien sûr, ceux qui sont devenu des vedettes (Johnny Depp, Frank Darabont, Patricia Arquette, Larry Fishburne). Mieux vaut écouter Never Sleep Again que le remake de Nightmare On Elm Street.

Hell Up In East Harlem : Documentaire sur l’apparition du crack dans Harlem. Le quartier s’est transformé en énorme marché de la drogue et ses habitants ont vu se détériorer en peu de temps la vie (presque) paisible qu’ils vivaient jusque là. Le documentaire semble produit par un des « street gangs » de Harlem, alors on ne comprend jamais trop le point de vue et les témoignages de revendeurs, de crackheads et de DJ quelconques nous apparaissent comme n’étant que des amis du produteurs. Une narration en début de film disparaît assez rapidement pour laisser la place à des intervenants dont on ignore la pertinences. Par exemple Poo Do ou Craig qui sont-ils? En quoi leur intervention est justifié? Pertinante? Valable? Probablement qu’ils sont des amis des producteurs. Tout est un peu amateur. On a donc droit à un montage approximatif fait par des débutants (des fade out sonore en plein milieu d’une phrase) et un nombre records du mots « nigger »

Convoy : Un western avec des semi-remorques, voilà ce qu’est Convoy, l’un des derniers films de Sam Peckinpah. Kris Kristopherson déborde de charisme et Ali MacGraw avec une coupe de cheveux à la garçone est incroyablement sexy. La poursuite est filmée, montée et mise en scène avec expertise. Peckinpah utilise les figurants à son avantage dans chaque patelin dans lequel arrête son convoit. La baguarre du restaurant est Peckinpah-esque avec ralentis et montage serré. Un autre classique oublié.

Fortress : Survival australien scénarisé par Everett De Roche. Des méchants portant des masques de Père Noël, de kangourous et de lutin prennent en otage une petite école de village. Ce qui commence comme un simili-Toy Soldier meets BMX Bandits se transforme subitement en quelque chose de beaucoup plus violent. Un genre de Eden Lake bien avant son temps. La maitresse d’école tente à plusieurs reprises de s’enfuir avec les élèves, les implicants dans un nombre de situations risquées et violentes. Avec une sensibilité que des films comme Eden Lake, Storm Warning et Wolf Creek n’ont pas, Fortress est une agréable surprise.

The Big Red One : Film de (anti)guerre à l’ambiance onirique, à l’humour noir rappelant Catch-22 en moins absurde et sarcastique. The Big Red One est un film tombé aux oubliettes et c’est dommage. Lee Marvin toujours excellent est secondé par Mark Hamill qui nous prouve qu’il aurait eu une carrière au-delà de Luke Skywalker.

Mutant : Gros rip-off the Alien, Star Wars et The Thing (version Carpenter) ce film de série B est bien joué par des acteurs inconnus. La direction artistique en donne beaucoup plus que ce que le budget peut se permettre. Les effets gore sont réussis. Le montage laisse parfois à désiré mais il se veut souvent inventif pour un film de la sorte.

Invisible Target : Jaycee Chan, le fils de Jackie, joue dans Invisible Target, film policier hong kongais fort bien mis en scène et palpitant. Contrairement à Kentaro Seagal, Jaycee fait du bon boulot. Il faut dire que Benny Chan derrière la caméra y est pour beaucoup. Même si le film est un peu tiré par les cheveux, force est d’admettre qu’il se fait très peu de film de la sorte à Hong Kong de nos jours. Les scènes d’action sont, sans être révolutionnaires, fort bien misent en scène, les explosions les poursuites que ce soit à pied ou en voiture et les cascades sont tous excitantes. Seul bémol est l’humour très Jackie Chan-esque à l’accent homosexuel, heureusement ce n’est qu’une scène ou deux.

Robogeisha : Dans la lignée de Vampire Girl vs Frankenstein Girl, Tokyo Gore Police et autres Hard Revenge Milly, ce film japonais ultra gore est une déception. Bien sûr les films mentionnés plus haut sont loin d’être des chef-d’œuvre, mais ils sont divertissant et inventif. Ici, l’esprit foubraque et déjanté est au rendez-vous mais le problème c’est que le film à été tourné dans une ou deux pièces et les effets ont tous été ajouté en post-prod sur le laptop de mon oncle André. Des effets cheaps, bas de gamme. Le film nous donne l’impression d’avoir été bâclé et ce même si le découpage et le montage sont ultra précis.

I Hope They Serve Beer In Hell : Tucker Max est un pur produit de l’Amerique. Que son égo lui demande de faire un film basé sur ses aventures sexuelles n’est pas surprenant. Que le film soit aussi ininspiré, asexué et pseudo moralisateur étant donné le matériel de base (un site Web, 2 livres) est plutôt surprenant. Les répliques cultes de son livre sont traité de façon quelconque et Max en profite pour se donner le rôle du gars qui admet ses défauts malgré tout. Le public cible demeure ses fans qui peuvent tout lui pardonner alors peu importe comment il se dépeint dans un film, les filles de 16-26 vont toujours vouloir se faire défleurir par Max et les gars boutonneux, un peu gros, un peu stupide et les douchebags vont toujours l’admirer pour ses prouesses et ses statistiques sexuelles.

ReGOREgitated Sacrifice : Parfois je ne sais pas dans quoi je m’aventure en écoutant des films obscurs. J’essais d’en savoir le moins possible pour écouter le film avec une conscience vierge et ainsi avoir plus souvent qu’autrement de belles surprises. Ça, c’est ce que je me dis. La réalité est tout autre. ReGOREgitated Sacrifice est la pire erreur de ma vie. Comme son nom ne l’indique pas ce film amateur tourné par un fan de Heavy Metal cache ses tendances grossières derrière un semblant de film expérimental dans sa forme. Le problème avec ce genre de film c’est qu’ils se ressemblent tous. En essayant de cacher leur côté amateur, leur côté pervers, ces films sont interchangeables. Barricade, Nicko The Impaler, Slaughtered Vomit Dolls, etc Ce genre de films méprisables n’a qu’un public cible : des gens que vous ne voulez pas avoir comme amis. J’ignore qui peut aimer ce genre de film. Le but est bien sûr de choquer coûte que coûte mais jusqu’où est-on prêt à aller? C’est en voyant ReGOREgitated Sacrifices que j’ai compris qu’on pouvait et voulait aller loin. Avec une bande sonore Heavy Metal/trashcore/grindcore (qui donne du feedback tout au long du film) et un montage simili-sublimo-saccado-expérimental on peut voir, par exemple, une fille s’écarter le vagin pour uriner dans un verre et boire son urine avant de vomir sur le visage de son ami. Alors les deux filles s’entrevomissent l’une sur l’autre en entrant de force leur main dans la bouche. On est loin de Jackass ici, on est sérieux et rien n’est drôle. Parfois un homme apparaît(le réalisateur???) et décide d’aller soit vomir sur une fille ou soit lui trancher la tête avant de lui enlever les yeux avec un tournevis.

Disco Godfather : Film anti-drogue vraiment pas subtil, Disco Godfather est hilarant. Il (Disco Godfather) se promène dans les rues de Harlem pour arrêter l’épidémie de Angel Dust. La musique funk et disco et les costumes sont parfait. Le film souffre d’un manque de budget flagrant et d’un manque de chorégraphes pour les batailles (les coups passent visiblement 13-14 pouces à côté du visage). Les séquences de rêves allucinatoires sont embarassantes mais dans le bon sens du terme, elles m’ont donné le goût d’arrêter ma consommation d’Angel Dust, après tout.

Liquid Sky : On pourrait qualifier Liquid Sky de film Psychédélique homosexuel, ce serait un peu réducteur. Ce serait passer à côté de certains sujets traité dans le film comme : la cocaine, les extra-terrestres, la mode, les orgasmes meurtriers, etc... Film avant-gardiste pour ce qui est devenue la mode vestimentaire des années 1980, le film en devient anthropologique. Autant pour sa musique que pour ses coupes de cheveux. Par contre il ne devient jamais risible quant à son côté démodé, il en devient même puissant. Aucun film récent (Hot Tub Time Machine, par exemple) représentant les années 1980 d’un point de vue vestimentaire ne pourra ressembler à Liquid Sky tellement il représente de façon sérieuse tout ce qui est devenu risible aujourd’hui.

Ballistic Kiss : Donnie Yen a été le Lorenzo Lamas de Hong Kong dans les années 1980 et au début des années 1990. Lorsque tout le monde a quitté pour les USA avant 1997 (Jackie Chan, John Woo, Ringo Lam, Tsui Hark, Jet Li, Ronny Yu, etc) Yen est resté à Hong Kong même s’il doit être celui qui parle le mieux anglais de la liste précédente. Petit à petit il est devenu celui qu’il est aujourd’hui : Une grande Star à Hong Kong. C’est avec des films comme Ballistic Kiss qu’il a réussi cette résurection. Ballistic Kiss est une grosse copie d’un film de John Woo sans les colombes et les ralenties. Le film est un foutoir incohérent mais les scènes d’action sont incroyables, le montage, le rythme, les idées, etc… Même s’il date de 1998, Ballistic Kiss donne l’impression d’avoir été tourné 3 semaines après Un Zoo la nuit, des néons partout qui éclairent plus ou moins bien, des gens avec des débardeurs en cuirettes, etc… Au-delà des scènes d’action, ce film n’est pas recommendable.

Vengeance : Précédé d’une réputation de grosse bourde risible, j’appréhendais Vengeance comme une visite chez le dentiste. Un mauvais Johnnie To peut tout de même être supérieur à a peu près tout me disais-je. Et j’avais raison! Malgré ses défauts, son rythme saccadé, certaines répliques embarassantes, une histoire mal foutu et certains procédés scénaristiques bidons, Vengeance n’est pas si mal. Même si tout ça commence à tourner en rond, To est le spécialiste de la « bro-mance », de la loyauté entre truands et ce avec une économie de dialogue incroyable. On y croit. Vengeance est un moins bon To, mais la scène de la fusillade dans le champs avec les piles de feuilles en guise de bouclier vaut à elle seule le film. Trois hommes fusil à la main, cigarette au bec, courant au ralenti dans un champs en se faisant fusiller est, pour moi, de l’ART.

Operation Endgame : De voir Rob Corddry en Agent Spécial laissait présager une énorme erreur de casting. Puis le film avance et on s’aperçoit que c’est une comédie alors tout à du sens. Un peu comme The Tournament mais en moins bon, ce film d’agents secrets qui doivent s’entretuer est amusant au début et manque de souffle, d’humour et d’idées après 30 minutes. Ellen Barkin, Ving Rhames, Odette Yustman, Maggie Q, Adam Scott, Emilie de Ravin, Bob Odenkirk, Zach Galifianakis et Jeffrey Tambor partagent la vedette.

Black Death : Christopher Smith laisse tomber la comédie gore pour se tourner vers le film médiéval. Black Death n’est pas Lord Of The Rings ni Braveheart il lorgne plus du côté de The Wicker Man (l’original, pas le remake). Ceci étant dit le film n’a aucune surprise, aucun vrai suspense, aucun mystère. Il n’est pas mauvais pour autant.

The Disappearance of Alice Creed : Les dix premières minutes du film sont excellentes. Le film ensuite devient un suspense en huis-clos où surprises et coups de théâtre efficaces ne gâchent en rien notre plaisir. Le fillm s’apparente un peu à Shallow Grave ou Bound en n’ayant ni le côté psychologique du premier ou le côté pince-sans-rire du second.

Big Tits Zombies : Pas le pire film de tout les temps….mais presque!

Cette semaine j'ai vu....

Mon horaire chargé ne me laisse plus beaucoup de temps pour continuer ma quête du 7e Art. Trouver une perle rare parmis les films bas de gammes.

Sleepaway Camp : Le seul souvenir que j’avais de ce film est bien sûr sa finale. L’image est encore terrifiante quoiqu’un peu dépassé côté effet spéciaux. Par contre je n’avais aucun souvenir à quel point les acteurs étaient mauvais et à quel point le punch final est télégraphié un peu trop en avance. Les scènes de flashback sont complètement ratées par une image surexposée, des dialogues ridicules joué de façon théâtralo-caricaturale dans ce qui est clairement un décors de studio.

Pirahna : Agréable surprise que ce film de Joe Dante. Malgré le poids des années ce rip-off de Jaws est toujours aussi amusant et divertissant. Joué de façon sérieuse sans jamais se prendre au sérieux, cette production Roger Corman est efficace.

The Driver : Walter Hill a toujours excellé dans le film d’action urbain. The Driver est donc un solide film d’action où plusieurs poursuites en voitures extrêmement bien filmées et un attitude macho servie par de bon acteurs nous font passer un bon moment. Sorte de film noir urbain contenant son lot de revirements de situations et de violence, il est un parfait compagnon au Getaway de Peckinpah.

Schlock : Grosse farce pas drôle de John Landis où un gorille (John Landis dans un costume de singe, gracieuseté de Rick Baker) sème la panique dans la ville. Un humour dépassé mais à contre-courant de ce qui se faisait à Hollywood à l’époque.

Troll 2 : Devenu la mode de ridiculiser ce film depuis Best Worst Movie, le documentaire retracant la production de ce film, il faut admettre que le film n’est pas aussi mauvais qu’on le laisse croire. N’ayant pas vu le film depuis 15 ans, je dois admettre que dans mes souvenirs il était extrêmement mauvais. Le revoyant aujourd’hui, je ne change pas d’avis, ce film est terrible, les acteurs sont amateurs (surtout la mère), certaines scènes sont embarrassantes, les maquillages et autres masques sont pire qu’amateurs (une sorcière avec beaucoup trop de fond de teint, des masques de lutins statiques et visiblement en plastiques où les yeux ne bougent pas), le message du film n’est pas super clair (le vegetarisme = pas bon?, un sandwiche au baloney peut-il sauver le monde?). Mais au-delà de tout ça, la mise en scène bas de gamme est tout de même fonctionnelle. Oui ce film est risible mais il n’est pas le pire film au monde.

Knightriders : Premier film hors du créneau horreur pour Georges Romero, Knightriders est un OVNI étrange. Film sur les Jeux de rôle grandeur nature à la Wild Hunt, Demain dès l’Aube, L’Âge des ténèbres et autres Roles Models. Ce film a la particularité de remplacer les chevaux par des motos. Devant une performance intense de Ed Harris, Tom Savini en acteur n’est pas à la hauteur, il n’est pas mauvais mais il n’est pas l’acteur qu’il croyait être à une certaine époque des années 1980. La musique du film est insuportable laissant croire que Romero rit de son sujet, heureusement sa mise en scène et son scénario nous font vite oublié qu’il se rit des gens participant à ce genre d’activité comme le faisait avec arrogance et mépris Arcand dans son film. La finale est un peu abrupte et pas tout à fait en harmonie avec le film.

Get Him To The Greek : Pseudo-suite de Forgetting Sarah Marshall où l’on reprend le personnage de Aldous Snow joué par Russell Brand et on invente un autre personnage pour Jonah Hill. Il est alors étrange de constater que Aldous Snow ne trouve aucune similitude physique entre le personnage de Jonah Hill et le type qui lui cassait les couilles avec son démo lors de ses vancances à Hawaii avec Sarah Marshall. On reprend donc la même équipe mais on rend tout moins drôle, moins efficace, moins intéressant. Le film se laisse regardé mais on se demande où sont allé les blagues d’autant plus que le sujet laissait la porte ouverte à une comédie beaucoup plus entrainante et à la limite puérile.

MacGruber : Ne reculant devant aucun ridicule, force est d’admettre que MacGruber est une comédie très drôle mais pas un grand film. On rit devant tant d’inepsies mais on oublie aussi très rapidement une fois le visionnement terminé. Un des bons films adapté de SNL.

Prison On Fire : Revoyant le film pour la première fois en 15 ans, il avait été un de mes favoris à la première édition de Fantasia, je ne suis pas déçu. 1987 est l’année où Chow Yun-Fat à joué dans 18 films dont celui-ci, il était au sommet de sa coolitude. Prison On Fire est un film de prison, c’est un film dur, un peu dépassé mais avec une grande performance de Chow Yun-Fat. Un genre de Lock Up Hong Kongais mais en mieux, c’est Ringo Lam derrière la caméra. Voyant ce film en même temps que Dog Pound, on peut tout de suite voir que Lam veut nous raconter une histoire tout en nous présentant ses personnages et ses règlements en milieu carcéral. Contrairement à Chapiron qui préfère jouer sur les clichés en pensant qu’on les voit pour la première fois. Comme les deux films se terminent de la même façon, Lam prépare le terrain, crée un crescendo de tension qui nous amène à l’émeute final alors que Chapiron nous montre une émeute qui sort de nulle part, pour son propre plaisr de montrer de la violence gratuite et nous faire la morale.

The Good, The Bad & The Weird : Un hommage au spaghetti western venant de la Corée. Une mise en scène fluide, maîtrisé, exceptionelle, des personnages loufoques, amusants, charismatiques et crédibles, une histoire cinglé. Bref, Un très bon moment de cinéma!

Ong Bak 3 : Après la gifle de Ong Bak, on ne pensait que du bien de Tony Jaa. The Protector avait son lot de scènes cultes, même si le film laissait à désirer. Ong Bak 2 par contre, ouch! Tony Jaa revient derrière la caméra pour remettre les pendules à l’heure, lui qui avait donné un Ong Bak 2 non seulement décevant mais extrêmement confus. Le film lui a été enlevé en post prod, paraît-il. Qu’en est-il de Ong Bak 3 alors? Un peu la même chose que celui avant mais avec un mélange d’Apocalypto de Gibson et une pelletée de clichés. Les combats sont mornes, pas très inventifs et le film est ennuyant…

Killers : Sortie presqu’au même moment que Knight and Day les deux films auraient dû échanger tout leurs points forts et ainsi créeé qu’un seul Film : Killer Knight & Days. Si on applique la performance de Tom Cruise (décdemment meilleur que Kutcher), le ton et l’humour de Killers, la chimie de Diaz et Cruise mais remplacer Diaz par Heigl, le budget et la mise en scène du film de Mangold, un scénario à mis chemin entre les deux, on pourrait obtenir un divertisement pseudo-simili-sympathique. Avec Killers on a droit à des blagues de moustaches (gracieuseté de Tom Selleck), aucune chimie entre ses deux vedettes, Katherine Heigl qui est loin d’avoir fait ses preuves sur grand écran (si on oublie la scène du bikini de Mon Père, Ce Héro, le remake), un scénario bon enfant, une mise en scène approximative, des blagues faciles, de l’action mollassonne, etc…

Dog Pound : Après le semi-culte Sheitan, Kim Chapiron tourne son deuxième film et premier en anglais. Dog Pound est un mauvais film. Une mise en scène prétentieuse, un sujet intéressant et pourtant le film n’arrive jamais à dire quoi que ce soit sur son sujet et jamais on ne comprend le propos ou le parti-pris de Chapiron. Le film accumule tous mais vraiment tous les clichés du film de prison (même s’il s’agit ici, d’une centre correctionel pour délinquants juvéniles). Tellement qu’on ne peut qu’en rire, surtout lorsqu’on comprend que Chapiron ne s’intéresse qu’à la violence, la filmant comme s’il voulait choquer alors qu’elle ne devient qu’un prétexte plutôt qu’une finalité inévitable. La scène finale est d’un ridicule cinglant voulant nous montrer la brutalité policière gratuite alors que les délinquants l’on bien cherché en tapant sur tout ce qui bouge lors d’une émeute. Chapirion hésite entre fiction et constat socio-machin, il se pète les bretelles en croyant nous montrer la réalité alors qu’il semble ne jamais maitriser son sujet. Autant revoir Bad Boys (pas celui de Michael Bay, l’autre) ou 10 et demi.

The Oxford Murders : Premier film, de mémoire, en anglais pour Alex de la Iglesia où la fluidité de la mise en scène est excellente comme toujours mais où tout humour est absent. De la Iglesia a toujours donné dans l’humour noir mais cette fois, rien. Peut-être que quelque chose a été perdu dans la traduction. L’intrigue n’est pas parfaite mais John Hurt est au sommet de sa forme. La conclusion est un peu bâclé et on ne croit jamais vraiment à l’obsession de Frodo pour les théories du personnage de John Hurt. Peut-être un moins bon de la Iglesia mais écoutable quand même.

The Sasquatch Dumpling Gang : Cette comédie à l’humour puéril a l’avantage d’être bien joué par des acteurs non-professionnels. En fait les seuls acteurs connus sont les plus caricaturals. Pas particulièrememtn drôle sauf si on aime l’humour à-la-Napoleon-Dynamite.

Body Count : J’avais aimé ce film il y a 15 ans et le revoyant aujourd’hui, je suis heureux de voir que mes goûts ce sont raffinés avec l’âge. Un slasher sanglant mais foutrement mal monté, probablement dû à la censure, cette inième version du tueur dans un chalet/camp de vacances/village perdu est une accumulation de scènes vu ailleurs et n’ayant pas nécéssairement de logique. On ne comprend pas toujours comment les choses arrivent, où se trouve le tueur (dans la cuisine ou dans le salon?) et à la toute fin on ne comprend pas trop qui il est. Rien n’est trop subtil mais rien n’est trop clair.

St-Ange : Premier film de Pascal Laugier dont j’avais été assez indifférent à la première écoute de son Martyrs. Mais voilà qu’en visionnant ce film je me dit qu’il a du talent pour créer un ambiance morbide, crée des tableaux beaux et laids à la fois et foutre la petoche (comme disait Duke dans Predator). Martyrs n’était pas horrible, juste un peu déroutant. St Ange donne l’envie de revoir Martyrs et même de voir le prochain de Laugier. Le seul problème c’est que le film est tourné en anglais. Pourquoi? Virginie Ledoyen et Lou Doillon se débrouillent bien dans la langue de Shakespeares mais probablement que Christophe Gans, producteur ici, voulait exporter le film ailleurs où il a des fans, comme au Japon et aux USA. Christophe, si Marc Dacascos ne joue pas dans le film, il peut être tourné en français.

Sombre : Premier film de fiction du documentariste français Philippe Grandieux, cette histoire(?) d’un tueur de femmes/prostituées est assez désagréable dans sa première moitié. C’est comme si le réalisateur s’était dit : On va battre le record d’images de vagin. Le viol est presque vu comme si un chien faisait pipi sur la moquette : Non! Ne fais pas ça! C’est pas beau! dit Elina Lowensohn, la reine du film indépendant-weird, dans un français approximatif. Et puis, tout se replace, un semblant d’histoire s’installe. Jamais on ne comprend les personnages, jamais Grandieux ne veut qu’on les comprenne non plus. Alors le film se laisse regarder difficilement. Grandieux expérimente avec l’image et le son c’est d’ailleurs la raison d’être du film. Mais il ne fait rien de plus que ce que Lodge Kerrigan avait fait avant lui de façon cohérente, limpide et intéressante dans Close, Shaven.

Rabid Grannies : Dans mes souvenirs, ce fim gore belge était un classique trop mal connu. Après une seconde écoute 15 ans plus tard, Rabid Grannies est un film ennuyant, ennuyeux, pas toujours bien monté (censure?) pas divertissant et surtout pas drôle. Il est par contre une grosse inspiration pour le Brain Dead de Peter Jackson et probablement une tentative de rip-off du Demons de Lamberto Bava.

Ghosthouse : C’est en voyant ce terrible film de maison hantée assez gore que j’ai pu m’apercevoir que…. J’avais déjà vu ce film débile dans ma tendre jeunesse innocente. Le film est particulièrement drôle pour ses effets ratés mais surtout pour les mauvais acteurs. Ils débitent des clichés assez poches mais de façon tellement comique. C’est comme si les acteurs ne s’écoutaient pas entre eux, ils ne font que dire leurs lignes une à la suite de l’autre sans vraiment comprendre ce qu’ils radotent et ce que l’interlocuteur leur dit. Comme s’il ne prenait pas vraiment le temps de digérer les déclarations choquantes qu’on leur envoie en plein visage. Par exemple :

Homme : Have you ever find something peculiar about him?

Docteur : Well, I remember the last day that he was here, he became obsess with a doll.

Homme (sur un ton où se mélange surprise, dédain, intérrogation et absence complète d’émotion) : Did you say a doll?

Goemon : Goemon est le Sin City des pauvres, le 300 des sans talents, le Casshern des cinéastes sans vision, le Sky Captain And The World Of Tomorrow des minables… même Speed Racer et The Spirit sont supérieur à ce film mal foutu. Tout est im-bien dans ce film. Il est l’exemple parfait de ce qu’il ne faut pas faire lorsqu’on tourne un film devant un Green screen.

Epidemic : 2^e film de Lars Von Trier et probablement son plus mauvais. Après le succès de Element Of Crime, Von Trier, se prenant pour un génie, n’obtenait pas les subventions et budget espéré, il dû se tourner vers le film intimiste en noir et blanc. Un genre de rip-off de la nouvelle vague. Epidemic est donc un petit film fauché mais dont le désir et la passion du cinéma sont plus grand que tout. Dommage que tout soit si prétentieux. Von Trier veut démontrer son intelligence mais n’a pas le moyen de ses ambitions alors tout sonne un peu faux. D’autant plus qu’après le triomphe technique de Element Of Crime, on ne peut s’attendre à un film aussi inférieur en tout point. Parfois, on croirait voir un film des finissants du CEGEP Limoilou.

All Night Long Vol 1 : Premier film d’une suite de je ne sais combien où démontrer beaucoup de violence ultime semble être le but premier. La morale du film doit être quelque chose comme : Si tu violes une fille, arrange toi pour la tuer avant qu’elle ne se sauve et appelle la police d’une cabine téléphonique/cellulaire. Sinon tu vas être obliger de lui passer dessus avec ta voiture. Du moins, c’est la morale que j’ai retenu et grâce à ce film japonais êxtremement mauvais, je sais que la violence, c’est pas beau.

Kung Fu Master : Souvenez-vous à quel point le film Sidekick était incroyable. Vous avez été marqué par cette histoire de courage et d’espoir où un garçon joué par Jonathan Landis (le petit blond de Never Ending Story 2 qui a disparu de la carte depuis) côtoie dans ses rêves les plus fous, Chuck Norris. Parce que Chuck est son idole, Chuck l’aide à passer à travers l’adolescence ingrate, etc… Kung Fu Master est exactement la même chose mais avec Jackie Chan. Un jeune indonésien de 16 ans joue le rôle de Landis. Même s’il n’est jamais mentionné dans le film, le jeune indonésien doit être déficient mental (je m’excuse). 16 ans et cette obsession libidineuse de vouloir à tout prix voir Jackie Chan, il lui manque visiblement un boulon dans la caboche. Tout ça est entremêlé de scènes embarassantes et de kidnapping (ou non) et de policière abrutie question de faire du remplissage entre 2 séquences où Jackie Chan, sourire aux lèvres, nous apparaît comme un idiot. Le film met en scène un ado de 16 ans et ses amis alors que le public cible est clairement les 4-8 ans. Chan, en perte de popularité s’est surement dit qu’il lui falait faire un truc à-la-Being John Malkovich pour relancer sa carrière.

Thralls : Mélange d’un paquet de genre sans jamais trouver le siens, ce film de vampires ressemble à Coyote Ugly, c’est vous dire. Une simili-histoire fantastique gâchée par de mauvais dialogue, de mauvais acteur (Lorenzo Lamas en chef des vampires n’est pas le pire acteurs du film) et un petit budget qui force le film à rester dans le même lieu, un bar. Les effets spéciaux sont risibles et la direction photo est déficiente,le film est tout simplement trop sombre pour qu ‘on y voit quoi que ce soit.

Road Kill : Film d’horreur australien qui veut sortir des sentiers battus et se retrouve avec une intrigue gênante, des acteurs masculins peu convaincants et des images soignées qui veulent donné un style à un film qui n’en a pas plutôt que de créer une ambiance et une intrigue prenante. Le film commence comme une relecture de Duel et continue comme un paquet de n’importe quoi.

Babysitter Wanted : Film d’horreur voulant créer une surprise à mi-parcours mais se plante royalement en utilisant des procédés de mise en scène malhonnêtes. La surprise est chouette mais pas aussi incroyable que le film veut bien se faire croire. De plus, les acteurs jouent tellement faux que la 2^e partie du film apparaît plus comme une mauvaise comédie. Dommage.

Africa Addio : Documentaire sur l’Afrique banni dans plusieurs pays à sa sortie dans les années 1960 est aujourd’hui toujours aussi choquant avec ses images de tortures animales (éléphants, lions et vaches se font découper à coup de machettes ou tirer à la carabine ou la lance). Des êtres humains se font descendre par l’armée, etc…

Righting Wrongs : Classique du cinéma d’action de Hong Kong, ce film policier avec Yuen Biao et Cynthia Rothrock est rempli de cascades spectaculaires.

August Underground : Trilogie sortie de je-ne-sais-où et qui semble vouloir repousser les limites du mauvais goûts. Ces trois films qui ont en commun un point de vue subjectif et un tueur qui ramène ces victimes dans son sous-sol pour les mutiler et les humilier avec sa copine sont dégueulasse. Le genre de film où une fille attachée sur une chaise depuis plusieurs jours se fait couper les seins et l’ami du tueur en profite pour mettre les excréments de la victime sur ses seins coupéstout en riant. On se demande pourquoi les gens font de pareils films, probablement parce que des gars comme moi les écoute mais y-a-t-il des gens qui aiment ça?

Franklyn : Aussi connu sous le nom de Dark World, mais pas Dark World avec Micheal Paré, l’autre. Le film ressemble à Dark City raconté en voix off par Rorschach (Ryan Philippe avec un masque ressemblant étrangement à celui de Rorschach…). Ce qui explique peut-être le changement de titre. Film futuriste avec des sauts dans l’espace-temps, ce qui rend le tout un peu confu mais pas inintéressant. On aurait pu arriver au même résultat sans les décors, soignés, certes, et les effets spéciaux.

Aveux : Série télé québécoise joué de façon magistrale et assez prenante. Le problème, si on veut bien en trouver un, c’est que comme dans toute série télé, on étire l’intrigue inutilement en plus d’y inclure une sous-intrigue avec la belle famille dont aurait pu faire sans. La direction photo est copié inutilement sur tout ce que fait Podz et l’utilisation de flashbacks explicatifs gache plus souvent qu’autrement le récit. Il n’en demeure pas moins que pour le jeu des acteurs et pour son intrigue (qui aurait suffit de 5 épisodes), cette série vaut le détour.

Hamlet 2 : Comédie pas super drôle où Steve Coogan se retrouve à blasfémer sur Jésus et Hamlet, etc…

Puffball : Arrivant difficilement à expliquer ce film de Nicolas Roeg, force est d’admettre qu’il n’est pas aussi étrange et beau que ce à quoi il nous a habitué dans le passé. On a droit à une image étranges d’un gros plan d’un pénis qui éjacule, dans un condom, dans un vagin.

The Limits Of Control : N’étant pas un grand fan de Jim Jarmusch (Stranger Than Paradise étant mon préféré et résumant bien toute sa carrière à venir), je doit admettre que The Limitis Of Control m’a beaucoup plus. Pour ces images, ses running gags, sa musique, l’intrigue inexistante, sa parade d’acteurs connus faisant de simple apparition. Un film décontracté où Jarmush réussi à rendre intéressant le vide.

Fantastic Four : La version de Roger Corman. Celle qui n’a jamais eu de sortie cinéma et/ou VHS. Le film qui n’existe qu’en copie piratée. Cette adaptation à micro-budget de la bande dessiné est d’un ridicule à plusieurs niveau. La prestation des simili-acteurs fait mal, le scénario mal écrit et condensé est une honte à quiconque aime moindrement le cinéma, les costumes en carton donnent l’imporession de voir un sketch de SNL. Par contre les effetx spéciaux, cheaps mais efficaces et la mise en scène amateur mais minutieuse rend le film sympathique. Le réalisateur s’est appliqué pour donner plus qu’il ne pouvait avec le budget alloué. On peut sentir la volonté du réalisateur pour offrir un bon divertissement. Dommage que le film soit extrêmement nul. Pas autant que les bourde de Tim Story mais quand même.

Nightmare In a Damaged Brain : Film d’horreur un peu gore et se voulant dérageant à-la-Maniac mais n’arrivant pas à la cheville du film de Lustig. C’est d’ailleurs pour ça que Nighmare In A Damaged Brain est un film oublié aujourd’hui et Maniac, un classique.

Hitch-hike : Aussi connu sous le nom de Naked Prey ce film de série-B où Franco Néro et Davis Hess se confronte tout en étant doublé puisqu’ils parlent un anglais approximatif est étiré inutilement sur 90 minutes. On a droit à Corrine Cléry nue, ce qui fait de ce film un chef-d’œuvre. Par contre l’intrigue rédigée sur une napkin, est affaibli par des dialogues inutiles et des revirements de situations peu convaincants.

Gator Bait : Film qui doit avoir coûté 1,50$ en 1972, tourné uniquement dans un bayou quelconque, genre le lac en arrière de chez mon oncle Richard. Un B-movie comme il s’en faisait à la tonne pour les ciné-parcs.

Klansman : Lee Marvin en sherrif d’un village doit défendre OJ Simpson contre les membres du KKK. Simpson, dans le film, à assissiné un membre du KKK et s’en sort indemme. Quand la fiction est une prémonition de la réalité…

Control : Exercice de style pour Anton Corbjin où il s’essait au long métrage pour la première fois en adaptant la vie de Ian Curtis et Joy Division. Bien que le récit soit secondaire, tout comme la reconstitution historique, Corbjin montre son savoir faire avec une mise en scène léché, une performance d’acteur intense et un très beau noir et blanc. Il est, selon moi, plus difficile d’apprécier ce biopic si on n’est pas à la base un fan de Joy Division ou un hipster.

Amytiville Horror : Le remake. Ryan Reynolds a de beaux abdos. J’en suis jaloux. Par contre, ils sont utilisés de façon énigmatique dans ce mauvais remake du film de Stuart Rosenberg. LA fameuse énigme : pourquoi ce type est-il si musclé? Un peu comme Schwarzenneger dans plusieurs films on se demande pourquoi ce type qu’on ne voit jamais en plein entrainement est-il aussi en forme. Jamais on utilise le corps sculpté de l’acteur comme accessoire pour développer le personnage. Non, il est seulement bien charpenté, c’est tout. Pourtant, il faut être acharné pour avoir un corps aussi sculpté. Amityville Horror pose une autre question puisque le film se déroule en 1974, et que le bodybuilding ou le culte du corps n’est devenu une obsession que beaucoup plus tard : Pourquoi Ryan Reynolds est-il si découpé? Il s’agit en fait de la même question, posé deux fois par le même spectateur alors que le réalisateur du film ne semble jamais avoir eu ce questionnement. De toute façon, le réalisateur ne semble pas avoir eu aucun autre questionnement puisque le film est une bourde. Basé sur la pseudo-histoire vraie, le film s’en dégage pour ainsi ne pas faire mourir ses personnages principaux. La suite logique des évènements n’a tout simplement pas de logique et les acteurs nagent dans une suite de situations clichés où au final tout ressemble à un résumé du pitch du film. L’idée d’un film d’horreur pour le réalisateur est d’utiliser une image un peu délavée autant dans la réalité que lors des passages où Reynolds allucine des trucs un peu poches du genre un chiens ou une tache de sang, etc… Les mouvements de grues et les panoramiques orchestrés de façon mécanique croient donnée un semblant de style Argento-esque à l’œuvre alors qu’on a l’impression de voir un vidéoclip de Bush X ou de My Chemical Romance.

The Lasr Horror Film : D’un côté il y a William Lustig et son film Maniac et de l’autre il y a ce film. Tout les deux sortient en 1982. Tout les deux mettant en vedette Joe Spinnell dans le rôle d’un psychopathe. Tout les deux se ressemblant étrangement. Par contre, un seul des deux a repoussé les limites du gore, un seul à repoussé les limites des effets spéciaux, un seul est bien dirigé et offre une bonne performance de Spinnell, un seul est crédible. Il s’agit de Maniac. The Last Horror Film est mal mis en scène, mal dirigé, mal éclairé souvent, mal écrit, etc…

Birth : 2^e film de Jonathan Glazer qui nous donne le goût de voir son prochain le plus rapidement possible tant son style sied bien à cette histoire de réincarnation en milieu bourgeois et ses connaissances en matière de musique classique tout comme ses connaissances cinématrographique rendent ce film sublime. Ce film est loin de Sexy Beast et il est loin d’être un chef-d’œuvre. Il est tout simplement beau à regarder tout comme les vidéoclips ou les publicités que Glazer à su faire dans sa jeune carrière.Nicole Kidman offre une performance toute en finesse et rend crédible ce récit farfelu.

Cette semaine j'ai vu....

Arnacoeur : Comédie romantique bien banale avec une idée de départ solide mais qui s’essoufle en cours de route. On ne comprend jamais trop pourquoi Duris tombe pour Vanessa Paradis, pas qu’elle soit chiante mais comme objet de désir, on a vu mieux.

Black Deep Throat : Une grande africaine couche avec tout ce qui bouge en Italie pour obtenir des renseignements. Genre film érotico-espionage mais plus érotico que espionnage.

I Spit On Your Corpse, I Piss On Your Grave : Probablement le pire film du monde. Rien à voir avec I Spit On Your Grave ou son remake prochain. Non, je n’avais pas le goût de voir une fille se rentrer un manche à balaie dans le vagin et non j’avais encore moins le goût de la voir utiliser ce manche dans l’anus d’un homme séquestré sur son lit. Tout ça en guise de vengeance. Les pires acteurs du monde sont réunis dans le sous-sol d’une pseudo-punk/goth ratée et subissent ses sévices.

Tekken : Basé sur le jeu vidéo. Un effort a été fait au niveau direction artistique pour élever ce film de combats au-dessus de la moyenne. Tout est cliché et typique mais pas trop chiant. Rien n’est vraiment captivant, ni les combats, ni l’histoire, ni les acteurs mais après avoir vu King Of Fighters, on se dit qu’un peu de talent fait toute la différence.

Ennemi Public no 1 : 2^e partie sur Jacques Mesrine où cette fois Richet se concentre sur l’après-Québec. Cassel incarne avec intensité, Mesrine, Ludivine Sagnier est nue, Amalric porte la moustache et Richet se la joue un peu.

Rampage : Uwe Boll avait fait Postal, sorte de comédie sur les USA où son personnage principal « goes postal » mais dans une farce où il était difficile d’y voir un second degré. Cette fois, Boll réalise son meilleur film en reprenant l’idée du « mec qui pète les plombs » et nous offre un drame violent et très bien joué et écrit. La réalisation et le montage sont les points faibles mais rien qui nous empêche d’y voir le message que Boll veut livrer.

Protege : Drame polcicier hong konguais très réaliste et prenant, du point de vue des dealer d‘héroïne.

Rob B Hood : Jackie Chan nous offre son meilleur film depuis fort longtemps même s’il est beaucoup trop long. Quelques cascades impressionantes et de l’humour bon enfant Pour fans seulement.

Best Of The Best 4 : oui…bon….c’est ça…

Case 39 : Film d’horreur avec Renee Zellweger qui après avoir adoptée une fillette battue par ses parents se retrouve avec beaucoup trop de trucs sur les bras du genre, la fillette à besoin d’attention et se met à tuer (télépathiquement, j’imagine) les amis de Renee. La fillette est probalement le diable incarné ou quelque chose comme ça, j’écoutais à moitié, c’est à ce point prenant.

Merentau : Ong Bak à donné un nouveau souffle et au cinéma Taïwannais et aux films d’arts Martiaux en plus d’être une sacré surprise. Merentau est le Ong Bak de 2010. Il n’arrive pas à la cheville de Ong bak au département des cascades/combats/scènes d’action mais il est beaucoup plus écoutable grâce entre autre à une histoire plus solide et une finale surprise. Les combats sont parfois trop chorégraphiés et souvent accélérés de façon maladroite mais on ne boudera pas sont plaisir devant tant de bastons bien filmé, au montage fluide.

No Distance Left To Run : Documentaire sur la tournée réunion de Blur, en fait, sur le retour de Graham Coxon dans l’alignement après 7-8 ans de mutisme entre lui et Damon Albarn. Superbement filmé avec images d’archives à l’appuie, ce film retrace rapidement la carrière du légendaire groupe britannique. Le survol est un peu trop rapide.

Zone Of The Dead : Film de Zombies serbe (le fim est une production serbe et non les zombies…en fait oui les acteurs jouant les zombies sont serbes). Le film n’est pas meilleur ni pire que tout ce qui se fait comme film à petit budget. Dénué d’humour et mettant en scène des acteurs figés qui débitent des dialogues explicatifs et risibles, Ken Foree y perd son temps et l’acteur principal est caricatural.

The Substitute : Ole Bornedal peut être 5-6 ans sans réaliser de films et puis revenir avec 3 films en 3 ans. The Substitute est un espèce de truc science-fiction/horreur pour enfants. Les images sont sublimes, le film, pas trop épeurant genre Opération beurre de pinotte. Bien.

Solomon Kane : Production française, ce film de capes et épées est soutenue par un acteur sans grand charisme, un 2^e degré biblico-chrétieno-propagando-religieuse, des images magnifiques et beaucoup de prétention. Dans le genre Clash Of The Titans meets Le Pacte des loups.

Giallo : Il y a quelque chose d’horriblement gênant dans Giallo. Dernier film de Dario Argento et maître incontestable du Giallo (polar d’horreur italien, genre). On ne sait pas où Argento veut en venir, puisque son film n’est pas un giallo étant donné qu’on connaît l’identité du meurtrier en milieu de parcours. Giallo est le nom du meurtier, celui-ci a la jaunisse (giallo veut dire jaune en italien). La partie extrêmement gênante est dû au fait que Vincent Gallo, devant jouer le meurtrier, s’est désisté, Argento à donc remplacé Gallo par Adrian Brody. Brody joue le meurtrier mais également le policer, personnage principal. On voit donc Brody pourchasser Brody sous un masque risible mais toujours avec le même gros nez et la même voix rendant le tout extrêment confu. Un giallo doit surprendre par son meurtrier alors qu’ici on connaît son identité mais comme il s’agit d’Adrian Brody, acteur américain par excellence, le spectateur se dit que c’est peut-être une surprise, un revirement choc alors que le film semble linéaire, peut-être ne l’est-il pas, etc… Et bien non tout ça se termine de façon abrupte ou Brody tue Brody laissant le spectateur toujours confu quant au meurtier. Était-il le frère jumeau séparé à la naissance Van-Damme-style ou s’agit-il tout simplement de 2 personnes n’ayant aucun lien de parenté mais avec le même grand nez croche et le même sourire. Au générique on nomme Byron Deidra pour le rôle du tueur, un anagramme de Adrien Brody ou est-ce le vrai Byron Deidra, acteur italien par excellence?

Long Weekend : Remake de l’autre et fièrement écrit par le même scénariste même si 30 années séparent les deux films, ce pseudo survival est exécrable. Le réalisateur n’a pas réactualisé l’original, ne lui a pas donné une portée plus socio-écologico-machin actuel, il a seulement refait le film. Les personnages sont INCROYABLEMENTS détestables, c’était le but de l’original et c’est encore le but ici mais il n’en demaure pas moins que 1) on veut les voir mourir 2) on se crisse pas mal de leur sort et 3) ils donnent le goût d’arrêter d’écouter le film. Le message est clair et important mais la façon de le traiter est chiante.

Exponerad : Film dans la lignée de tout les autres mettant en vedette Cristina Lindberg (Maid In Sweden, Thriller, Sex and Fury (la plus grande inspiration pour Kill Bill)) dans sa période « je découvre ma sexualité en Suède ».

Frat House : Faux documentaire sur les fraternity houses par le réalisateur de The Hangover. Le côté suspense fonctionne moins mais le film est très drôle si on reconnait qu’il n’est pas vrai.

The Adventures Of Buckaroo Banzai Across The Eighth Dimension : Buckaroo Banzai est un chirurgien/scientifique/rockstar et il doit défendre la terre contre une menace extra-terrestre. Plaisir coupable de mon enfance, le film est encore meilleur aujourd'hui pour son côté bédéesque et pince-sans-rire et surtout pour le style vestimentaire.

House On Sorority Row : Film d’horreur du début des années 1980. Quelques meurtres ingénieux, un simili-suspense éfficace et des acteurs sans talents. Un soi-disant classique qui a mal vieilli, peut-être le petit budget de l’entreprise y est pour quelque chose.

Le Villain : Albert Dupontel nous sert son meilleur film. Une comédie cartoonesque comme il en fait toujours, sorte de croisement entre Bernie et Tatie Danielle. Dupontel, Catherine Frot et Bouli Lanners sont excellent.

Art Of The Devil 1-2-3 : Une triologie d’horreur qui ne se suit pas trop mis à part des scènes de tortures assez intenses et des reptiles qui sortent par des orifices.